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Géneros de música de Ópera

La lista más completa de géneros de Música de Ópera disponible en Internet

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La palabra inglesa  opera  es una abreviatura de la frase italiana  opera in musica  (“trabajar en la música”). Denota una obra teatral que consta de un texto dramático, o libreto  (“folleto”), al que se le ha puesto música y se ha escenificado con escenografía, vestuario y movimiento. Aparte de los cantantes solistas, de conjunto y corales en el escenario y un grupo de instrumentistas que tocan fuera del escenario, los intérpretes de ópera desde sus inicios han incluido a menudo bailarines. La ópera, una variedad compleja y a menudo costosa de entretenimiento músico-dramático, ha atraído tanto a partidarios como a detractores a lo largo de su historia y, en ocasiones, ha sido blanco de intensas críticas. Sus detractores lo han visto como una forma de arte artificial e irracional que desafía la verosimilitud dramática. Sus seguidores lo han visto como más que la suma de sus partes, con la música apoyando e intensificando las letras y la acción para crear un género de mayor impacto emocional que el que la música o el drama podrían lograr por sí solos.

En 1573, un grupo de músicos e intelectuales se reunieron para discutir diversos temas, especialmente el deseo de revivir el teatro griego. Este grupo de individuos se conoce como Camerata florentina; querían que se cantaran líneas en lugar de simplemente decirse. De ahí surgió la ópera que existió en Italia alrededor del año 1600. Al principio la ópera estaba destinada sólo a la clase alta o a los aristócratas, pero pronto incluso el público en general la patrocinó. Venecia se convirtió en el centro de la actividad musical; en 1637 se construyó allí una ópera pública.

Pregunta:  ¿Cuál fue la primera ópera compuesta?

Respuesta:  La primera ópera fue  Dafne  de Marco da Gagliano; el libreto de Ottavio Rinuccini. La ópera constaba de un prólogo seguido de seis escenas.[línea_divisora]

¿Qué es la ópera?

Muchas personas, cuando escuchan la palabra “ópera”, inmediatamente piensan en cantantes obesos vestidos con trajes vikingos cantando arias en alemán. Con semejante prototipo wagneriano, muchos se ven a sí mismos como desanimados por las óperas porque creen que todas ellas son largas, pretenciosas, basadas en historias poco interesantes y cantadas en un idioma extranjero por personas con voces fuertes y demasiado vibrato. Algunas óperas son todas estas cosas, pero una ópera no tiene por qué ser ninguna de ellas.  Jesucristo, Superstar  y  Los Miserables  también son óperas. La ópera es simplemente el arte de transmitir una historia mediante el canto, la actuación y el baile, sin ningún diálogo o narración hablada significativa. Es la ausencia de escenas de libros hablados lo que distingue a las óperas de las operetas y los musicales, y si bien puede parecer una distinción menor, cambia dramáticamente la experiencia del público. En parte, esto se debe a que el flujo de la música es más continuo, pero también a que cantar lleva mucho más tiempo que el drama hablado, por lo que la historia se desarrolla en cámara lenta, manteniéndote al borde de tu asiento durante todo el espectáculo.

En los musicales, la trama se desarrolla mayormente de manera eficiente a través del diálogo hablado. Las canciones son generalmente meras puntuaciones que pueden omitirse sin pérdida de la trama o, de hecho, cantarse fuera de contexto sin pérdida de la canción. Más sucede en menos tiempo. Un musical puede ser un teatro muy eficaz y conmovedor, pero es una experiencia muy diferente a una ópera, tanto para presenciar como para crear. La North Cambridge Family Opera presenta exclusivamente óperas, en lugar de musicales u operetas. Mostrar a los niños (y a sus padres) que las óperas pueden ser emocionantes, musicalmente accesibles, basadas en historias interesantes y divertidas de cantar y escuchar ayudará a eliminar el estigma que está ligado a todo lo que se llama “ópera”. Una vez que las mentes se han abierto, son libres de explorar la enorme riqueza del legado operístico de 400 años del mundo, desde Monteverdi hasta Mozart, desde Puccini hasta Previn. Quién sabe, tal vez incluso les empiece a gustar Wagner.Crédito: 

Ópera familiar

Una breve historia de la ópera
Por Deanna R. Hoying
Directora de Educación
Ópera de Kentucky

La ópera existe desde hace más de cuatrocientos años. La ópera incorpora todas las variedades de otras formas de arte; danza, artes visuales, música, vestuario, escenografía y maquillaje.

La palabra «ópera» que significa «una obra» es esencialmente una historia contada con música. Las historias operísticas provienen de muchas fuentes; historia, mitología, cuentos de hadas, cuentos populares, literatura y teatro. Lo que todas estas historias tienen en común es que algo en sus cualidades musicales y/o dramáticas inspiró a un compositor a plasmarlo en música. Las historias y la narración de historias parecen aprovechar una necesidad humana básica y todas las culturas tienen tradiciones para contar historias. Nos enseñan sobre la vida y la muerte, el amor y el odio, el bien y el mal; en definitiva, la condición humana. La música también se encuentra en todas las culturas y, cuando se utiliza en combinación con una buena historia, puede aclarar, definir, desarrollar o incluso contradecir la historia original. Es esta combinación de música e historia lo que hace que la ópera y todas las formas de teatro musical sean tan poderosas.

La ópera ha sobrevivido a guerras, monarquías en colapso, depresiones y plagas, para expandirse más allá de todas las fronteras geográficas y culturales y seguir siendo una de las artes escénicas más emocionantes y creativas. Dado que la ópera no existe dentro de una “burbuja”, en esta historia operística también se incluyen eventos mundiales que ayudaron a darle a la ópera la forma que conocemos hoy. Se podría argumentar que la ópera en realidad tuvo sus inicios durante el apogeo de la antigua Grecia, cuando se incluía un coro como parte de una representación dramática, generalmente al principio o al final de un acto. Sin embargo, la mayoría de historiadores sitúan el nacimiento de la ópera a finales del siglo XVI. Este fue el gran apogeo del Renacimiento, cuando Shakespeare estaba en la cima de sus poderes, España había lanzado otra armada fallida contra Inglaterra y la mayor parte de Europa estaba en guerra entre sí o intentando colonizar las Américas. La Iglesia católica romana había perdido gran parte de su control en Europa, en particular en Alemania con Martín Lutero y sus protestantes , y la relativa libertad de expresión estaba en pleno apogeo. Fue en esta época de agitación y gran creatividad cuando nació la ópera. Un grupo llamado Camarata Florentina, encabezado por Vincenzo Galilei (padre del famoso astrónomo), publicó un Diálogo sobre la música antigua y moderna en 1581. En este libro, Galilei afirmó que múltiples textos vocales, melodías y ritmos nunca podrían expresar claramente el texto. y en cambio creó un caos de impresiones contradictorias. Por lo tanto, la forma correcta de componer las palabras era utilizar una melodía solista, “monodia”, que potenciara las inflexiones naturales del habla. Galilei compuso algunos versos del Infierno de Dante para tenor solo con acompañamiento, pero la música no se conservó.

El primer ejemplo de una verdadera ópera DAFNE fue escrita en 1597 por Peri, una cantante que no adhirió a la teoría de Galilei, pero sí continuó escribiendo en el estilo monódico. Sin embargo, el compositor de ópera más conocido en esta época fue Claudio Monteverdi (1597-1643). La mayoría de sus óperas se representaron en Venecia, donde la ópera manía llegó a ser tan grande como la Beatlemanía en nuestro tiempo. A mediados del siglo XVII, la ópera se escuchaba en toda Italia y se había extendido a Francia y Alemania. Incluso dos de los papas escribieron óperas y, en su apogeo, Venecia tenía más de 30 teatros de ópera y estrenó más de 1.700 óperas. Así finaliza el Ennaissance y comienza el período Barroco. La explosión del arte y la música en toda Europa fue asombrosa, con varias monarquías y nobles compitiendo para ver quién podía construir la mayor cantidad de teatros de ópera y trabajar con los artistas más importantes de la época. El período barroco (aproximadamente 1600 – 1725) vio las pinturas de Rembrandt van Rijn, los escritos de Descartes, Moliere y John Locke, el establecimiento de Boston por los puritanos (1630), la construcción del Taj Mahal (iniciado en 1653), el reinado de Pedro el Grande en Rusia, los juicios por brujería de Salem (1692) y la música de Johann Sebastien Bach, Georg Friedrich Handel y Antonio Vivaldi. La Ópera Barroca floreció en gran parte de Europa y la escuela italiana prevaleció en la mayoría de los teatros de ópera y cortes reales. Este período de tiempo a menudo se llama el «Edad de la Ilustración» y las óperas que se escribieron y representaron durante este período eran claras, simples, racionales, de atractivo universal y se utilizaban puramente como entretenimiento. Handel fue el compositor de ópera más famoso de su época y sus óperas se representaron en toda Europa. El siglo XVIII llevó la ópera a su apogeo barroco con una increíble cantidad de obras escritas e interpretadas que luego llevaron al período clásico de Franz Joseph Hadyn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig von Beethoven. El período Clásico (aproximadamente 1725-1827) fue una época marcada por el derrocamiento de las monarquías y la exploración de nuestro mundo.

La Revolución Francesa (1789-1794) reformó su gobierno y hundió aún más a su población en la pobreza, las colonias americanas declararon su independencia de Inglaterra, George Washington se convirtió en presidente, Napoleón comenzó (y terminó) su conquista de Europa, y Lewis y Clark comenzaron su expedición por los Estados Unidos. La ópera continuó floreciendo durante la era clásica, aunque experimentó algunos cambios propios. Los compositores italianos comenzaron a armonizar la ópera con los ideales cambiantes de la música y el teatro, haciendo que todo el diseño fuera más natural, más flexible en estructura, más profundo en contenido y más variado en otros recursos musicales. La orquesta se volvió más importante tanto por sí misma como por agregar profundidad armónica a los acompañamientos. La consumación de este nuevo estilo de ópera se produjo en la obra de Christoph Gluck. Comenzó a escribir óperas al estilo italiano, pero estuvo profundamente influenciado por la reforma de la década de 1750. Colaboró ​​con el poeta Calzabigi para producir ORFEO ED EURIDICE (1762) y ALCESTE (1767). Otros compositores durante este período intentaron escribir óperas, Haydn escribió más de 75 para la familia Esterhaus y Mozart se apoyó con varias óperas populares; LAS BODAS DE FÍGARO, DON GIOVANNI y LA FLAUTA MÁGICA.

Durante la década de 1820, de las cenizas de la Revolución Francesa y el Imperio Napoleónico surgió una nueva “clase” que valoraba mucho la expresión individual y la libertad: la clase media. Por tanto, se necesitaba un nuevo tipo de ópera para atraer a este público relativamente inculto que abarrotaba los teatros en busca de emoción y entretenimiento. Se necesitaban nuevas óperas que subrayaran los “nuevos” intereses del público y los compositores se apresuraban a encontrar temas. Muchos encontraron inspiración en la literatura de la época y, en lugar de utilizar la mitología griega como base para la ópera, los compositores utilizaron a Shakespeare, Goethe y Victor Hugo. Esto se convirtió en la Gran Ópera, que utilizó todos los elementos artísticos, como ballets, coros y escenas de multitudes, para atraer a su nueva audiencia. La pera comique, que era menos pretenciosa que la gran ópera, floreció junto con la gran ópera. La ópera cómica requirió menos cantantes e intérpretes y fue escrita en un lenguaje musical mucho más simple; sus tramas presentaban una comedia sencilla o un drama semi serio en lugar del enorme boato histórico de la gran ópera.

La ópera bouffe enfatizó los elementos inteligentes, ingeniosos y satíricos de la ópera cómica y apareció en París en la década de 1860. Otros compositores tomaron nota y comenzaron a desarrollar operetas en otros países; Gilbert & Sullivan en Inglaterra componiendo THE MIKADO, THE PIRATES OF PENZANCE y HMS PINAFORE, Johann Strauss, Jr. en Viena componiendo DIE FLEDERMAUS y, finalmente, Victor Herbert en Estados Unidos componiendo BABES IN TOYLAND y NAUGHTY MARIETTA. Comenzó a surgir otro tipo de ópera llamada “ópera lírica”, que combinaba la ópera cómica anterior con el estilo actual de la gran ópera, aunque en una escala mucho menor. El hito de la ópera lírica fue CARMEN. Compuesta por Georges Bizet en 1875, CARMEN siguió el camino tradicional de la ópera romántica de finales del siglo XIX; Lugares exóticos, de textura sobria y bellamente orquestados. Ha habido cierta “controversia” sobre el final exacto del período clásico y el comienzo del período romántico. La mayoría de los puntos coinciden en que Beethoven fue una figura fundamental en esta transición en el sentido de que su estilo compositivo temprano estaba definitivamente arraigado en la tradición clásica, pero sus obras posteriores tendían hacia un estilo del período romántico. Por estas razones, este artículo ha catalogado el final del período clásico y el comienzo del romántico como 1827, año en que murió Beethoven. El período romántico (aproximadamente 1827-1900) desencadenó una segunda explosión de creatividad en toda Europa, Rusia y Estados Unidos. En la comunidad artística de finales del siglo XIX, Edouard Manet, Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Rodin y Renoir causaron furor con el impresionismo.

En los círculos literarios, las poblaciones de Europa y Estados Unidos leían a Emerson, Thoreau, Melville, Whitman, Twain, Stevenson y muchos más. Mientras estaban en la comunidad musical, compositores como Brahms, Berlioz, Tchaikovsky y Bruckner estaban cambiando la forma sinfónica y Wagner, Verdi, Rossini y Puccini estaban cambiando la ópera. Quizás esta explosión se debió al hecho de que en la mayor parte de Europa, Rusia y Estados Unidos, los últimos 40 años del siglo XIX fueron relativamente tranquilos. Aparte de la guerra franco-prusiana, la mayoría de los países disfrutaban de un respiro del conflicto y muchos aprovecharon ese tiempo para encontrar formas de mejorar a la humanidad. Bell inventó el teléfono (1876), Edison inventó el fonógrafo (1877) y la luz eléctrica incandescente (1879), Koch descubre el germen de la tuberculosis (1882) y Pasteur comienza a inocular contra la rabia (1884). Estados Unidos recibe la Estatua de la Libertad (1886), Wilhelm Roentgen descubre los rayos X (1894), la reina Victoria es la monarca con el reinado más largo en la historia de Inglaterra (1837-1901) y Rusia corona a su último zar, Nicolás II (1894). Algunas de las óperas más conocidas y queridas se crearon durante este período. Italia tuvo su propia explosión de compositores nativos como Rossini, Bellini y Donizetti, todos los cuales tenían predilección tanto por las óperas dramáticas como por las cómicas. EL BARBERO DE SEVILLA de Gioacchino Rossini es quizás el mejor ejemplo de ópera cómica italiana de principios del siglo XIX con diálogos ingeniosos, personajes inolvidables y música bellamente elaborada. Sin embargo, el más famoso de todos los compositores de ópera italianos durante el período romántico fue Giuseppe Erdi (1813-1901).

Con la excepción de algunas canciones y un cuarteto de cuerda, todas las obras de Verdi fueron escritas para teatro. Verdi se hizo tan popular en toda Italia que su nombre se convirtió en un símbolo patriótico y en el grito de guerra «¡Viva Verdi!» Verdi veía la ópera como un drama humano que debía transmitirse mediante el uso de una melodía solista vocal simple y directa. Con excepción de una, todas las óperas de Verdi tratan temas serios, desde OTELO de Shakespeare hasta RIGOLETTO de Víctor Hugo. Bellini, Donizetti, Rossini y los primeros Verdi compusieron todos en el estilo BEL CANTO, que se caracterizaba por líneas melódicas largas, fluidas a lo largo de toda la ópera. Esta unión entre música y literatura fue una de las características distintivas de la ópera del siglo XIX y los compositores alemanes en particular la aprovecharon al máximo. La culminación de la ópera alemana llegó con Richard Wagner, quien no sólo creó un nuevo género de teatro operístico, sino que su influencia fue tan profunda que todavía se siente hoy. Wagner sentía que la función de la música era servir a los fines de la expresión dramática, por lo que sus partituras operísticas describían vívidamente lo que sucedía en el escenario. El ciclo del Anillo, que consta de cuatro óperas, es la obra maestra de Wagner que utiliza la mitología nórdica como base argumental. Para mantener la coherencia entre las cuatro óperas, Wagner utilizó el leitmotiv. El leitmotiv es un tema o motivo musical asociado con una persona, cosa o idea en particular en el drama. Esta idea se utiliza hoy en día en las bandas sonoras de películas. En la serie Star Wars, escrita por John Williams, cada personaje principal tiene un tema, al igual que la idea de “la fuerza” y “el imperio”. Estos temas se entretejen a lo largo de la imagen a medida que aparecen personajes e ideas, dando así a la partitura cierta cohesión musical.

El heredero de Wagner fue otro compositor alemán, Richard Strauss. Aunque fue influenciado por Wagner, Strauss tenía orquestaciones aún más exuberantes y a menudo usaba la disonancia o abandonaba por completo la tonalidad para enfatizar una escena particular en sus óperas. Sus obras operísticas más famosas incluyen SALOMÉ (1905), ELEKTRA (1909), DER ROSENKAVALIER (1911), ARIADNE AUF NAXOS (1912) y DIE FRAU OHNE SCHATTAN (La mujer sin sombra) (1919). Las obras sinfónicas de Strauss fueron igualmente impresionantes en su orquestación y alcance, y a menudo incluían números enormes. Su poema sinfónico final, ALPINE SYMPHONY (EINE ALPENSINFONIE – 1915) incluyó a 123 músicos, un número enorme para la mayoría de las orquestas que normalmente oscilan entre 60 y 75 músicos en promedio. El final del período romántico provocó cambios significativos en todas las formas musicales. La idea de tonalidad estaba siendo ampliada en Francia por Claude Debussy y Maurice Ravel, mientras que en Italia, Giacomo Puccini escribía óperas dramáticas que utilizaban un nuevo estilo llamado «verismo», que significa realismo o naturalismo. Puccini elegiría un libreto que presentara a gente común en situaciones familiares actuando violentamente bajo el impulso de emociones primitivas y escribiría en un estilo musical apropiado para dicho libreto.

La ópera verista fue la abuela de la televisión y del drama cinematográfico de choque. Era típico del período posromántico, que utilizaba la disonancia, la inmensidad y otros recursos musicales para excitar al público ahora hastiado. LA BOHEME, TOSCA y MADAMA BUTTERFLY tenían elementos de la ópera verista. El siglo XX fue una época turbulenta, tanto en el mundo como dentro de la comunidad musical. Gran parte de este siglo se ha dedicado a la guerra, al aumento de la población, a la lucha contra las enfermedades y al desarrollo de milagros médicos. Musicalmente, la ópera continúa creciendo y expandiéndose más allá de las fronteras tradicionales de Europa y Rusia para incluir otros países como Australia, Canadá y América del Sur. Los grandes nombres de la ópera moderna temprana incluyen a Kurt Weill, Igor Stravinsky, Benjamin Britten, Paul Hindemith y Anton Berg, por nombrar sólo algunos. Nunca ha habido una época más apasionante en el ámbito operístico, en la que todos los gustos querían ser satisfechos y la curiosidad por lo desconocido aumentaba constantemente. La ópera de principios del siglo XX estaba pasando del estilo verista de Puccini a una experimentación más amplia con el sonido, la politonalidad (el uso musical de más de una tecla simultáneamente) y los grupos de tonos (un acorde musical compuesto por al menos tres tonos consecutivos en una escala).

Los compositores de ópera ahora experimentaban con la politonalidad, el minimalismo y la difuminación de las líneas entre el teatro musical y la ópera. Entre los compositores destacados de este período se incluyen Claude Debussy (Pelléas et Mélisande 1902), Arnold Schoenberg (Erwartung 1924), Alban Berg (Wozzeck 1925), George Gershwin (Porgy and Bess 1935), Benjamin Britten (Peter Grimes 1945), Carlisle Floyd (Susanna 195, Of Mice and Men 1970 y Cold Sassy Tree 2000), Igor Stravinsky (The Rake’s Progress 1951), Leonard Bernstein (Candide 1956), Philip Glass (Einstein on the Beach 1976 y Akhnaten 1984), Stephen Sondheim (Sweeney Todd 1979) , John Adams (Nixon en China 1987, Muerte de Klinghoffer 1991), John Corigliano (Los fantasmas de Versalles 1991), Mark Adamo (Mujercitas 1998), Tod Machover (Resurrección 1999) y William Bolcom (Una vista desde el puente 1999) . El siglo XXI parece ser tan apasionante para las nuevas composiciones operísticas como los siglos anteriores. Todo es posible en términos de temática, tecnología en la puesta en escena y estilos compositivos. Entre los compositores destacados se incluyen Jake Heggie (Dead Man Walking 2000, The End of the Affair 2004 y Moby Dick 2010), John Adams (Doctor Atomic 2005), Mark Adamo (Lysistrata o The Nude Goddess 2005), Osvaldo Golijov (Ainadamar 2005), Tan Dun (El primer emperador 2006) y Paul Moravec (La carta 2009). Lo más importante que hay que recordar sobre la historia de la ópera, como ocurre con el arte y la música, es que es un reflejo de los acontecimientos mundiales. La ópera temprana combinaba una perspectiva humanista con una mezcla de mitología y realismo «cotidiano». Se convirtió en la más importante de todas las formas de arte durante el período barroco, cuando era espectacular, pero no desafiante intelectual o espiritualmente. La época clásica de la ópera estuvo vinculada a la Ilustración y a filósofos como Rousseau y Voltaire.

La revolución romántica giró la ópera en una nueva dirección, alejándose de la historia antigua hacia obras de Shakespeare, Goethe, Schiller y Victor Hugo y a menudo estuvo involucrada con la historia nacional, revolucionaria y política. Durante el siglo XX, la ópera pasó a formar parte de la era de Picasso, James Joyce, Freud y de nuevos mundos sorprendentes descubiertos por la ciencia. Y ahora, en el siglo XXI, la ópera no tiene límites en términos de inspiraciones o aspiraciones. La ópera es verdaderamente un reflejo de la condición humana y ya sea que la historia sea de Shakespeare, Esopo o Hugo, seguirá deleitando al público de todas las edades y culturas, porque en el nivel más básico, la ópera cuenta la historia de nuestras vidas. 

Diferentes tipos de ópera

Acte de ballet
Afterpiece
Azione sacra
Azione sepolcrale
Azione Scenica
Azione teatrale
Ballad opera
Ballet héroïque
Bühnenfestspiel
Bühnenweihfestspiel
Burla
Burletta
Burletta per musica
Burlettina
Characterposse
Comedia en vodevil
Comédie lyrique
Comédie mêlée d’ariettes
Comedia
Comedia in musica
Commedia per musica
Componimento da camera
Componimento drammatico
pastoral
conte lyrique
Divertimento giocoso Opera
dramática (o dramática)
Drame forain
Drame lyrique
Dramma bernesco
Dramma comico
Dramma comico per musica
Dramma di sentimento
Dramma eroicomico
Dramma giocoso
Dramma giocoso per musica
Dramma pastorale
Dramma per musica
Dramma semiserio
Dramma tragicomico
Entr’acte
Episodio lyrique
Fait historique
Farsa
Farsetta
Feenmärchen
Festa teatrale
Geistliche Oper
Género chico
Género grande
Grand opéra
Handlung
Intermezzo
Liederspiel
Lokalposse
Märchenoper
Märchenspiel
Melodramma
Melodramma serio
Musikdrama
Opéra
Opéra-ballet
Opera ballo
Opera buffa
Opéra bouffe
Opéra bouffon
Opéra comique
Opéra comique en vaudeville
Opéra féerie
Opéra lyrique
Opera semiseria ópera -tragédia
seria Opereta Opérette Opérette bouffe Opérette vaudeville Operette Pasticcio Pièce lyrique Pastorale héroïque Posse Posse mit Gesang Possenspiel Possenspil Radio ópera Rappresentazione sacra Rescue opera Rock Opera Romantische Oper Sainete Sainetillo Ópera de Saboya Saynète Schauspiel mit Gesang Schuloper Semi-opera Sepolcro Serenata Singspiel Situationsposse Songspiel Syngespil Televisión ópera Tonadilla Tragédie Tragédie en musique Tragédie lyrique

Tragédie mise en musique
Tragédie-opéra
Verismo
Volksmärchen
Zarzuela
Zauberoper
Zauberposse
Zeitoper